1 Cosmometrie di MARIO AIRO’ (Pavia, 1961)
AIRO’ Mario – Cosmometrie
Quarantadue disegni di Giordano Bruno, tratti dal libro “Articuli 160 adversus mathematicos”, sono proiettati sulla pavimentazione della piazza, coprendola quasi fossero dei tappeti in una Moschea. La produzione grafica di Giordano Bruno è qui ripresa dall’artista per sottolineare il valore conoscitivo e simbolico delle immagini. Vuole indurre nello spettatore stati d’animo e sensazioni fortemente emotivi con effetto incantatorio e seducente , mediante l’uso simultaneo di immagini e testi – con riferimenti culturali alla letteratura, al cinema e alla storia dell’arte – suoni, fonti luminose e oggetti di uso quotidiano.
Forty-two drawings by Giordano Bruno, selected from the book Articuli 160 adversus mathematicos, are projected onto the pavement of the square, covering it as if they were carpets in a mosque. Giordano Bruno’s graphic production is used here by the artist to underline the cognitive and symbolic value of the images. Airò wants to arouse emotions in the audience, while provoking stirring feelings with an enchanting and seductive effect. He accomplishes it by the simultaneous use of images and texts (containing many cultural references to literature, cinema, and art history), sounds, light sources and everyday objects.
Quarante-deux dessins de Giordano Bruno tirés du livre Articuli 160 adversus mathematicos ont été projetés sur le sol de la place, à la façon de tapis dans une mosquée. À l’aide de la production graphique de Giordano Bruno, l’auteur a voulu mettre l’accent sur la valeur cognitive et symbolique des images. Il veut réveiller des états d’âme et des sensations fortement émotives, avec un effet envoûtant et séducteur. Pour ce faire, il amalgame simultanément des images et des textes (chargés de références culturelles relatives à la littérature, au cinéma et à l’historie de l’art), des sons, des sources lumineuses, et des objets du quotidien.
Cuarenta y dos diseños de Giordano Bruno, extraídos de su libro Articuli 160 adversus mathematicos, se encuentran proyectados en el suelo de la plaza, recubriéndola como si fueran alfombras en una mezquita. El autor ha tomado la producción gráfica de Giordano Bruno para arrojar luz al valor cognitivo y simbólico de las imágenes. Airò quiere despertar en el espectador intensos estados de ánimo y conmoverlo con sensaciones de efecto cautivador y seductor. Lo consigue con el uso simultáneo de imágenes y textos ―repletos de referencias culturales que hacen alusión a la literatura, al cine y a la historia del arte―, además de sonidos, fuentes luminosas y objetos de uso cotidiano.
2. Vele di Natale di VASCO ARE (Castelletto Stura, Cuneo, 1943 – Torino, 2001)
ARE Vasco – Vele di Natale
Una moltitudine di triangoli colorati sovrasta le teste dei passanti. Sembrano immaginari alberi di Natale o alberi della cuccagna, ma ricordano anche la leggerezza e il volo degli aquiloni. Sono le Vele che Are ha creato per navigare nel mare della fantasia, realizzate con frammenti di plexiglass fluorescenti inseriti su un telaio metallico con rete. Ha sempre lavorato a stretto contatto con le avanguardie torinesi. Le sue opere sono spesso assemblaggi di materiali naturali e di recupero, quali tronchi d’albero, rocce e oggetti di uso quotidiano, per questo è vicino sia all’Arte Povera che al Nouveau Réalisme francese degli anni Settanta.
A sea of colorful triangles flies over the heads of the passers-by. They look like imaginary Christmas trees or grease poles, while recalling the lightness and the flight of kites. These are the open Sails that Are has conceived to navigate towards the Fantasy Sea. The work is made from fragments of fluorescent acrylic glass set on a metal mesh inside the frame. Are has always worked surrounded by the avant-garde artistic trends of Turin. Most of the time, his works of art are assemblages of natural and recycled materials, such as tree trunks, rocks and everyday objects. For this reason, his style could be described as an amalgamation of Arte Povera and the French Nouveau Réalisme of the 70’s.
Une multitude de triangles colorés survole les têtes des passants. Ils ressemblent à des arbres de Noël imaginaires ou à des mâts de cocagne, et évoquent la légèreté et le vol des cerf-volants. Ce sont les Voiles que Are a créés pour voguer vers la mer de la fantaisie, et qui ont été réalisés avec des fragments de plexiglas fluorescent insérés dans un filet en maille recouvert par un cadre. Are a toujours travaillé en contact étroit avec l’avant-garde turinoise. Habituellement, ses œuvres sont des assemblages de matériaux naturels et récupérés, à savoir : des troncs d’arbre, des roches, et des objets du quotidien. Pour cela, le style de Are est un juste milieu entre Arte Povera et Nouveau Réalisme français des années 70.
Una multitud de triángulos multicolores navegan sobre las cabezas de los transeúntes. Recuerdan a imaginarios árboles de Navidad, a aquellos del juego de la cucaña, o incluso al vuelo de cometas, instalándose en la atmósfera un efecto de liviandad. Son las Velas que Are ha creado para surcar los mares de la fantasía, realizadas con fragmentos de plexiglás fluorescente encajados en una red metálica dentro del marco triangular. Are ha siempre mantenido un lazo estrecho con el movimiento de vanguardias turinés. A menudo sus obras son ensamblajes de materiales naturales o recuperados, como: troncos de árbol, rocas, u objetos de uso cotidiano. Es por este motivo que el estilo de Are se acerca al Arte Povera y al Nouveau Réalisme francés de los años 70.
3. Ancora una volta di VALERIO BERRUTI (Alba, Cuneo, 1977)
BERRUTI Valerio – Ancora una volta
E’ ispirata dalla tecnica di video-animazione. Il bambino nell’opera luminosa si relaziona, nei 10 fotogrammi, con lo spazio sottostante, giocando con le auto come se fossero macchinine, scomponendo i capelli dei passanti sottostanti, ricordando a tutti la necessità di sdrammatizzare, di prendersi meno sul serio e accorgersi di quel che accade intorno a noi. Realizza sculture di ferro e arazzi con la tecnica dell’affresco su juta. Nei disegni sviluppa anche il tema dell’infanzia, del bambino che gioca con la propria ombra e scopre l’oscurità, a significare la perdita dell’innocenza e il rapporto con il doppio.
One More Time is inspired by the video animation technique. In the dazzling display composed of 10 frames, the child interacts with the underlying space. While playing with the vehicles as if they were toy cars, ruffling the pedestrians’ hair, and reminding everyone of the need to play down, the child invites us to take our problems more lightly and to pay attention to what happens around us. Berruti gives form to iron sculptures and tapestries by means of the technique of fresco on jute. In the design he develops the theme of childhood: a child playing with his own shadow that discovers the darkness, meaning the loss of innocence and the contact with your alter ego.
Encore une fois est inspiré de la technique de vidéo-animation. Dans l’installation artistique, l’enfant interagit, au long des 10 photogrammes, avec l’espace sous-jacent, en jouant avec les véhicules comme s’ils étaient des petites voitures, ou en décoiffant les passants. Il nous rappelle la nécessité de dédramatiser, de se prendre moins au sérieux, et de s’apercevoir de ce qui se passe autour de nous. Berrutti produit des sculptures en fer et des tapisseries réalisées à l’aide de la technique de fresque sur jute. Dans ses œuvres, il aborde le sujet de l’enfance, de l’enfant qui joue avec sa propre ombre et découvre l’obscurité, à savoir la perte de l’innocence et la rencontre de son dualisme.
Una vez más se inspira en la técnica de video-animación. Durante los diez fotogramas, el niño de la instalación lumínica se relaciona con el espacio subyacente, jugando con los vehículos como si fueran coches de juguete, y despeinando a los transeúntes. Nos recuerda la necesidad de serenarnos, de dejar de tomarnos las cosas tan a pecho, y de prestar atención a lo que pasa a nuestro alrededor. Berrutti realiza esculturas de hierro, y tapices con la técnica de pintura al fresco ejecutada sobre yute. En sus obras, trata también el tema de la infancia, del niño que juega con su propia sombra y descubre la oscuridad, lo que representa la pérdida de la inocencia y el primer contacto con nuestro otro yo.
4 Tappeto volante di DANIEL BUREN (Boulogne-Billancourt, France, 1938)
L’opera sarà fruibile a partire dal 12 novembre 2021 per consentire il termine dei lavori di ristrutturazione degli edifici che si affacciano sulla piazza.
The work will be available from 12 November 2021 to allow the completion of the renovation of the buildings facing the square.
Daniel Buren – Tappeto Volante
E’ una sorta di pergolato, costituito da tanti cavi d’acciaio, paralleli l’uno all’altro, che reggono una scacchiera realizzata con centinaia di cubetti colorati di blu, rosso e bianco (i colori della bandiera francese). Di notte i cubi si accendono come lanterne cinesi e l’opera si trasforma in un “Tappeto volante”. Oltre alla tela, i supporti utilizzati dall’artista includono tessuti stampati, carta, vetro, specchio, legno, bandiere, stendardi. Negli anni Ottanta le opere da bidimensionali diventano talvolta installazioni tridimensionali. Lo “strumento visivo” spesso utilizzato sono le bande verticali, gioiosamente minimaliste, bianche e colorate, rigorosamente parallele.
The work reminds of a pergola, made from many steel cables parallel to each other which suspend a chessboard formed by hundreds of blue, white and red coloured cubes (the colours of the French flag). At night the cubes light up like Chinese lanterns and the work turns into the Magic Carpet. In addition to canvas, the supports used by Buren include printed fabrics, paper, glass, mirror, wood, flags, and banners. In the 80’s, the two-dimensional works sometimes became three-dimensional displays. In a joyful and minimalist manner, the vertical white and coloured stripes, which are also strictly parallel, are often the main “visual instrument.”
C’est une sorte de pergola, formée par des milliers de fils en acier parallèles les uns les autres, qui soutient en l’air un échiquier formée par des centaines de cubes colorés en bleu, blanc, et rouge, comme les couleurs du drapeau français. Le soir, les cubes s’allument comme des lanternes chinoises et l’œuvre se transforme en un Tapis volant. Outre la toile, les supports de peinture utilisés par Buren sont les papiers peints, le papier, le verre, les miroirs, le bois, les drapeaux et les étendards. Dans les années 80, les œuvres de l’artiste sont parfois passées de bidimensionnelles à tridimensionnelles. Les bandes verticales strictement parallèles sont l’ « instrument visuel » souvent utilisé de manière minimaliste et joyeuse.
Alfombra mágica es una especie de pérgola, constituida por una infinidad de cables de acero paralelos entre sí, que sostiene en el aire un tablero de ajedrez formado por un centenar de cubos azules, blancos, y rojos, conformando así la bandera de Francia. Por la noche, los cubos se encienden como si fueran linternas chinas, transformando la obra en una Alfombra mágica. Además del lienzo, los soportes pictóricos utilizados por Burden incluyen las telas estampadas, el papel, el vidrio, los espejos, la madera, las banderas, o los estandartes. En los años 80, pasó por una etapa de transición de obras bidimensionales a obras tridimensionales. El “instrumento visual” al que recurre a menudo son las franjas verticales, ya sean blancas o coloreadas, pero siempre de forma minimalista y estrictamente paralelas.
5 Volo su… di FRANCESCO CASORATI (Torino 1934 – 2013)
CASORATI Francesco – Volo su …
Evidenzia una dialettica tra sensibilità pittorica del segno e trama grafica, che rappresentò per l’artista un ambito parallelo e mai subalterno rispetto alla pittura. Un filo rosso – retto da uccelli geometrizzanti – si snoda per le vie della città, suggerendo un possibile itinerario. Ha lavorato tutta la vita su un nucleo poetico che riguarda l’infanzia, la narrazione, la favola e il mito. Accanto alla pittura, per Casorati è stata fondamentale l’attività grafica, calcografica e litografica.
Flight over… highlights a dialectic between the pictorial sensitivity of the sign and the graphic story line, which had meant a parallel atmosphere to the artist and was never subordinate to painting. A red thread ―carried by geometrical birds, winds through the streets of the city―, suggesting a possible itinerary. Casorati has worked all his life within a poetic nucleus founded in childhood, storytelling, fables, and mythology. Along with painting, the graphic, chalcographic and lithographic activity was fundamental for him.
Vol sur… relève une dialectique entre la sensibilité picturale de l’image et le scénario graphique, qui a représenté pour Casorati un domaine parallèle qui n’a jamais été subordonné à la peinture. Un fil rouge, soutenu par le bec d’un oiseau géométrique, se détache de sa pelote et serpente dans les rues de la ville, en suggérant un possible itinéraire. Casorati a travaillé toute sa vie dans un noyau poétique fasciné par l’enfance, la narration, la fable, et la mythologie. En plus de la peinture, l’activité graphique, chalcographique et lithographique a été fondamentale pour Casorati.
Acentúa una dialéctica entre la sensibilidad pictórica y la trama gráfica, la cual fue para el artista un ámbito paralelo que nunca subordinó a la pintura. Un hilo rojo —sujetado por el pico de un pájaro geométrico—, serpentea por las calles de la ciudad, como queriendo sugerir un posible itinerario.
Casorati trabajó durante toda su vida en un núcleo poético fascinado por la infancia, la narración, la fábula y el mito. Conjuntamente a la pintura, la actividad gráfica, calcográfica y litográfica han sido fundamentales en la vida de Casorati.
6 Regno dei fiori: nido cosmico di tutte le anime di NICOLA DE MARIA (Foglianise, Benevento, 1954)
DE MARIA Nicola – Regno dei fiori: nido cosmico di tutte le anime
“Io vedevo le cornucopie della piazza diventare fiori magici del cielo, lasciati sulla terra per consolare e rallegrare le donne e gli uomini che vivono in questa città. Ed immaginavo questi fiori, attraversati dal movimento della luce, diventare il nido cosmico di tutte le anime che vivono nell’universo e nel nostro cuore. Questi fiori magici sono le stelle della città.” Fu uno dei cinque protagonisti, con Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi e Mimmo Paladino, della Transavanguardia italiana, movimento artistico teorizzato da Bonito Oliva nel 1979. Nelle sue opere dà vita a visioni cosmiche, paesaggi fantastici, pensieri, sensazioni secondo leggi di un’armonia intuitiva, dimostrando sensibilità per il ritmo, il colore e la composizione.
“I could see the cornucopias of the square become magical flowers from heaven, left on earth to console and cheer up the women and men who live in this city. And I imagined these flowers, pierced by the movement of light, becoming the cosmic nest of all the souls that live in the universe and in our heart. These magical flowers are the stars of the city.” Alongside Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi and Mimmo Paladino, Nicola de Maria was one of the key artistic figures of the Italian Transavantgarde, an artistic movement theorized by Bonito Oliva in 1979. In his works he gives life to cosmic visions, fantastic landscapes, thoughts, and sensations ruled by the laws of an intuitive harmony, while expressing sensitivity for rhythm, color and composition.
«Je voyais les cornes d’abondance de la place devenir des fleurs magiques tombées du ciel, abandonnés sur la terre pour réconforter et ensoleiller les femmes et hommes qui habitent dans cette ville. Et j’imaginais ces fleurs, percées par le mouvement de la lumière, devenir le nid cosmique de toutes les âmes qui habitent dans l’univers et dans nos cœurs. Ces fleurs magiques sont les étoiles de la ville». Aux côtés de Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi et Mimmo Paladino, Nicola de Maria a été un des cinq protagonistes de la Trans-avant-garde italienne, un mouvement théorisé par Bonito Oliva en 1979. Dans ses oeuvres, il donne vie à des visions cosmiques, des paysages fantastiques, des pensées, et des sensations selon les lois d’une harmonie intuitive, en manifestant une sensibilité à travers le rythme, la couleur, et la composition.
«Veía las cornucopias de la plaza transformarse en mágicas flores caídas del cielo, abandonadas en la tierra para consolar y alegrar a las mujeres y a los hombres que viven en esta ciudad. Es más, imaginaba que estas flores, agujereadas por el movimiento de la luz, se convertirían en todas las almas que viven en el universo y en nuestros corazones. Estas mágicas flores son las estrellas de la ciudad». Junto a Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi e Mimmo Paladino, Nicola de Maria fue uno de los cinco protagonistas de la Transvanguardia italiana, un movimiento artístico teorizado por Bonito Oliva en 1979. En sus obras da vida a visiones cósmicas, paisajes fantásticos, pensamientos, y sensaciones regidas por las leyes de una armonía intuitiva, al mismo tiempo que expresa sensibilidad por el ritmo, el color y la composición.
7 Giardino Barocco Verticale di RICHI FERRERO (Torino, 1951)
FERRERO Richi – Giardino Barocco Verticale
“ (…) nasce dal desiderio di reinterpretare la presenza del giardino barocco originale quale citazione dello ‘spazio onirico’, momento di raffinata e rigorosa decorazione dello spazio comune. Il luogo originale non esiste e non può esistere più, ma la sua memoria rinasce oggi, nella verticalità che dalla corte sale ai tetti per vivere come giardino-citazione sospeso nell’aria. (…) avvalendosi della leggerezza delle emissioni luminose, restituisce alla memoria quello che era il segno caratteristico delle aree comuni” Artista a tutto campo, dagli anni ’70 a oggi ha lavorato in modo trasversale tra arte visiva, teatro, cinema, installazioni d’arte urbana, progettazione museale, arte della luce.
“(…) [The Vertical Baroque Garden] arises from the desire to reinterpret the presence of the original baroque garden as an evocation of the ‘oneiric space’, a moment of refined and rigorous decoration of the common area. The original place does not exist and can no longer exist, but its memory is reborn today, in the verticality that rises from the court to the roofs to live as a garden-evocation suspended in the air. (…) making use of the lightness of the light emissions, it brings back to mind what was the hallmark of the common areas.” Since the ’70s, the all-around artist Ferrero has been working transversally between visual art, theater, cinema, urban art installations, museum design, and the art of light.
(…) [Le jardin baroque vertical] est né du désir de réinterpréter la présence du jardin baroque original comme une évocation de ‘l’espace onirique’, à savoir un moment de décoration raffinée et rigoureuse de l’espace commun. Le lieu original n’existe pas, et il ne peut pas continuer d’exister. Cependant, sa mémoire renaît aujourd’hui, dans la verticalité qui monte de la cour vers le toit pour vivre comme un jardin-évocation suspendu en l’air. (…) en faisant appel à la légèreté des émissions lumineuses, il remet en mémoire ce qui était le symbole caractéristique des parties communes. » Ferrero, artiste polyvalent, a travaillé depuis les années 70 de façon transversale entre les arts visuels, le théâtre, le cinéma, les installations d’art urbain, la conception de musées, et l’art de la lumière.
«(…) [El jardín barroco vertical] nace del deseo de interpretar de nuevo la presencia del jardín barroco original como apelación al ‘espacio onírico’, momento de refinada y rigurosa decoración de los espacios comunes. El lugar original no existe, y no puede seguir existiendo, pero su memoria renace hoy, en la verticalidad que asciende de la corte al techo para vivir como un jardín-apelación suspendido en el aire. (…) valiéndose de la liviandad lumínica, restituye a la memoria aquello que ha sido el símbolo característico del área común». Ferrero, un artista polifacético, que desde los años 70 se ha volcado de manera transversal en las artes visuales, en el teatro, en el cine, en instalaciones de arte urbano, en diseño de museos, y en el arte de la luz.
8 L’energia che unisce si espande nel blu di MARCO GASTINI (Torino 1938-2018)
GASTINI Marco – L’energia che unisce si espande nel blu
“Il lavoro è una grande pittura luminosa e l’energia,( …) in essa ne è parte determinante dominando la scena in alto, nel soffitto ( …) le tensioni che si determinano ( …) si attraggono e si respingono dinamicamente con una energia che il luogo chiuso d’azione contribuisce ad alimentare.” I titoli delle opere più recenti assumono l’intonazione lirica di un racconto con rimandi a luoghi, memorie, fantasie.. La familiarità e la dimestichezza con i materiali e le tecniche di lavorazione comincia a formarsi in gioventù nel laboratorio di marmista del padre. I materiali utilizzati sono inusuali e sono spesso oggetti ritrovati: travi di legno, a vetri, ferri, intelaiature di finestre, traversine di rotaie
“[The Energy that Unites Expands in the Blue] is a great luminous painting and the energy (…) inside it is a decisive part which dominates the scene at the top, in the ceiling (…) the tensions that are determined (…) dynamically attract and repel each other with an energy that is enhanced by the closed place of action”. The titles of the most recent works take on the lyrical harmony of a story with references to places, memories and fantasies. Gastini’s familiarity and experience with materials and elaboration techniques began to take shape in his father’s marble workshop during his youth. The materials used are unusual and are often found objects: wooden beams, glass, fragments of iron, window frames, or railway sleepers.
«[L’énergie qui unit se répand dans le bleu] est une grande peinture lumineuse et l’énergie (…) dans son intérieur est une partie déterminante qui commande la scène d’en haut, dans le plafond (…) les tensions qui s’engendrent (…) s’attirent et se repoussent dynamiquement avec une énergie qui est attisée par l’endroit clos de l’action». Les titres des œuvres plus récentes de Gastini embrassent l’intonation lyrique d’une histoire qui nous renvoie à lieux, mémoires, et fantaisies. Son expérience et la familiarité avec les matériaux et les techniques d’élaboration commencent dans sa jeunesse, dans l’atelier de marbre de son père. Gastini utilise des matériaux inusuels, et ils sont souvent trouvés dans la rue, comme par exemple : poutres en bois, morceaux de verre et fer, cadres de fenêtre, ou traverses de chemin de fer.
«[La energía que une se expande en el azul] es una gran pintura lumínica y la energía (…) que se encuentra en ella, es una parte determinante que domina la escena desde arriba, en el techo (…) las tensiones que se provocan (…) se atraen y se repelen de forma dinámica, con una energía que el lugar cerrado de la acción ayuda a avivar». Los títulos de las obras más recientes de Gastini adoptan un tono lírico que evoca lugares, memorias y fantasías. Gastini comienza a ganar experiencia, y a familiarizarse con los materiales y las técnicas de elaboración desde muy joven, en el taller de mármol de su padre. Los materiales que utiliza son inusuales, y a menudo son objetos encontrados en la calle: vías de madera, cristal, objetos de hierro, marcos de ventana, o traviesas de ferrocarril.
9 Planetario di CARMELO GIAMMELLO (Bronte, Catania, 1954)
GIAMMELLO Carmelo – Planetario
L’insolito firmamento metropolitano torna a illuminare via Roma. Il nuovo allestimento di 14 costellazioni è caratterizzato da lampade colorate, come nelle prime edizioni di Luci d’Artista, tecnologia a LED a basso consumo energetico e strutture portanti più leggere e maneggevoli per essere collocate anche in altri contesti urbani. La sequenza delle costellazioni, da piazza Castello a piazza San Carlo prevede: Dragone, Vergine, Orione, Sagittario, Scorpione, Orsa Maggiore; da piazza CLN a piazza Carlo Felice: Cane Maggiore, Boote, Lepre, Centauro, Auriga, Pegaso, Leone e Cigno. Scenografo da oltre trent’anni di carriera, ha al suo attivo innumerevoli spettacoli e ha ricevuto importanti riconoscimenti (premi Gassman e UBU).
Planetarium, the unique metropolitan firmament returns to light via Roma. The new set-up of 14 constellations is distinguished by colored lamps, as in the first editions of Luci d’Artista, together with low energy consumption LED technology, and more manageable and lighter supporting structures. The latter characteristic allows the eventual transportation of the installation to other urban sites. The sequence of the constellations from piazza Castello to piazza San Carlo goes as follows: Draco, Virgo, Orion, Sagittarius, Scorpio, and Ursa Major; from piazza CLN to piazza Carlo Felice: Canis Mayor, Boötes, Lepus, Centaurus, Auriga, Pegasus, Leo, and Cygnus. Giammello, a stage designer for over thirty years, is still working on countless shows and has received important awards, such as the Gassman and UBU awards.
L’insolite firmament de la métropole est de retour pour illuminer via Roma. La nouvelle mise en scène de quatorze constellations est caractérisée par des lampes bigarrées, comme dans les premières éditions de Luci d’Artista, par la technologie LED basse consommation, et par des structures portantes plus légères et maniables qui permettent de transporter éventuellement l’installation dans un autre contexte urbain. La séquence des constellations, de piazza Castello à piazza San Carlo est la suivante : le Dragon, la Vierge, Orion, le Sagittaire, le Scorpion, et la Grande Ourse. Et de piazza CLN a piazza Carlo Felice : le Grand Chien, le Bouvier, le Lièvre, le Centaure, le Cocher, Pégase, le Lion, et le Cygne. Depuis plus de 30 ans, Giammello a consacré sa vie à la mise en scène. Actuellement, il travaille dans une infinité de projets et il a reçu plusieurs distinctions, à savoir les prix Gassman et UBU.
El insólito firmamento metropolitano vuelve a iluminar via Roma. La nueva instalación de 14 constelaciones se caracteriza por lámparas de colores, como en las primeras ediciones de Luci d’Artista, por la tecnología LED de bajo consumo, y por una estructura más ligera que permite desplazar la instalación a otros puntos de la ciudad. La secuencia de las constelaciones, desde la Plaza Castello a la Plaza San Carlo es la siguiente: Draco, Virgo, Orión, Sagitario, Escorpio, y la Osa Mayor. De la Plaza CLN a la Plaza Carlo Felice: el Can Mayor, Bootes, Lepus, Centauro, el Auriga, Pegaso, Leo, y el Cisne. Giammello es un escenógrafo desde hace más de 30 años. Actualmente, está trabajando en un sinfín de espectáculos y ha recibido importantes galardones, como el premio Gassman o el UBU.
10 Migrazione (Climate Change) di PIERO GILARDI (Torino, 1942)
Piero Gilardi – Migrazione (Climate Change)
Si riferisce alle grandi migrazioni animali causate dal riscaldamento globale. Uno stormo di pellicani migra in volo alla ricerca di climi più freschi. Sono sospesi all’interno della Galleria, appesi lungo una struttura metallica. Un software di controllo crea il senso del movimento, da sinistra verso destra. Passa dall’Arte Povera alla Land Art (interventi artistici diretti sul territorio naturale) sino al PAV, Parco Arte Vivente di via Giordano Bruno 31. Il Parco, da lui concepito e diretto, è un Centro sperimentale d’arte contemporanea, che “comprende un sito espositivo all’aria aperta e un museo interattivo inteso quale luogo d’incontro e di esperienze di laboratorio rivolte al dialogo tra arte e natura, biotecnologie ed ecologia, tra pubblico e artisti.” (http://parcoartevivente.it/pav/)
Migration (Climate Change) depicts the massive animal migrations caused by global warming. A flock of pelicans is migrating in search of a cooler climate. They are hovering inside the Gallery, hanging on a metal structure. A control software creates the sense of movement, from left to right. Gilardi passes from Arte Povera to Land Art (artistic interventions on a natural environment), which led him to the birth of the PAV (Living Art Park, 31 Giordano Bruno St.). The Park, conceived and directed by him, is an experimental Center of Contemporary Art, which “includes an open-air exhibition site and an interactive museum intended as a meeting space and an experimental workshop in which art and nature, biotechnology and ecology, public and audience, talk to each other”.
[Migration (Changement climatique)] fait référence aux grandes migrations animales motivées par le réchauffement climatique. Une volée de pélicans migre en recherche d’un climat plus froid. Ils planent à l’intérieur de la Galerie, soutenus tout au long d’une structure en métal. L’installation est dotée d’un logiciel qui guide le sens du mouvement, de gauche à droite. Gilardi fait une transition de Arte Povera à Land Art (des œuvres artistiques dans le milieu naturel), jusqu’à la création du PAV (Parc Art Vivant, rue Giordano Bruno 31). Le Parc, conçu et administré par Gilardi, est un centre expérimental d’art contemporain qui «comporte un espace d’exposition en plein air et un musée interactif conçu comme un lieu de rencontre, outre un atelier expérimental où l’art et la nature, la biotechnologie et l’écologie, et le public et les artistes discutent entre eux».
Migración (Cambio Climático) hace referencia a las grandes migraciones animales causadas por el calentamiento global. Una bandada de pelícanos migra en busca de un clima más fresco. Están revoloteando en el interior de la Galería, sostenidos por una estructura metálica. Gracias a un software es posible crear la sensación de movimiento, de izquierda a derecha. Gilardi pasa del Arte Povera al Land Art (obras artísticas producidas directamente en un entorno natural), lo que le llevó a la creación del PAV (Parque Arte Viviente, calle Giordano Bruno n.º 31). El Parque, ideado y dirigido por Gilardi, es un centro experimental de arte contemporáneo que «comprende una sala de exposiciones al aire libre, y un museo interactivo que sirve como un lugar de encuentro, además de un taller experimental dedicado al diálogo entre el arte y la naturaleza, entre la biotecnología y la ecología, y entre el público y los artistas».
11 Illuminated Benches di JEPPE HEIN (København, Danmark, 1974)
HEIN Jeppe – Illuminated Benches
Ha sviluppato un sistema capace di riattivare, ridefinire e caratterizzare il luogo senza stravolgerne le specificità, in grado di metterne in discussione la normale percezione: le panche si illuminano quando ci si siede sopra e diventano parte integrante di un sistema modulare scultoreo e architettonico e attivano nuove interazioni sociali. Inserisce la tecnologia come elemento di sorpresa e humour Le sue opere esistono e si attivano solo in relazione allo spettatore, suscitando contemporaneamente un rapporto di gioco e di disturbo, di dialogo e di fastidio. Sospendono le leggi di causa ed effetto e creano situazioni in cui gli oggetti sembrano prendere vita e reagire alla presenza dei passanti.
In Illuminated Benches, Hein has developed a system capable of reactivating, redefining and characterizing the place without distorting its function. The system casts doubt on the normal perception of the object: the benches light up when you sit on them and become an integral part of a modular sculptural and architectural system, while starting new social interactions. Hein uses technology as an element of surprise and humor. His showpieces exist and are activated only in relation to the public, provoking an amalgam of game and frustration, dialogue and annoyance. They interrupt the Law of Cause and Effect, and create situations in which objects seem to come to life and react to the presence of the passers-by.
[Hein] a développé un système capable de réactiver, redéfinir et caractériser l’endroit sans dénaturer ses fonctions, en déclenchant une discussion de sa perception originale : les bancs s’illuminent quand quelqu’un s’y assoit, et ils deviennent une partie intégrante d’un système modulaire sculptural et architectonique en suscitant des nouvelles interactions sociales. Hein utilise la technologie comme un instrument de surprise et d’humour. Ses œuvres existent et s’activent uniquement en relation avec le public, en suscitant de manière simultanée une relation entre le jeu et le trouble, entre le dialogue et le malaise. Elles mettent en pause la loi de cause à effet, en créant des situations où les objets ont l’air de prendre vie et de réagir à la présence des passants.
Con su obra Bancos iluminados, Hein ha desarrollado un sistema capaz de reactivar, redefinir, y caracterizar el lugar sin distorsionar su propósito, poniendo en duda su percepción habitual: los bancos se iluminan cuando uno se sienta encima, y pasan a ser parte integrante de un sistema modular escultural y arquitectónico, al mismo tiempo que impulsan nuevas interacciones sociales. Hein utiliza la tecnología como un elemento de sorpresa y de humor. Sus obras existen y se activan solo en contacto con el público, desencadenando de forma contemporánea un vínculo entre el juego y el malestar, entre el diálogo y el hastío. Suspenden la ley de causa y efecto, creando situaciones en las que los objetos parecen tomar vida y reaccionar a la presencia de los transeúntes.
12 Piccoli Spiriti Blu di REBECCA HORN (Michelstadt, Deutschland, 1944)
Rebecca Horn – Piccoli Spiriti Blu
La Chiesa di Santa Maria, illuminata da potenti fari blu, sembra smaterializzarsi e perde il consueto aspetto di edificio conventuale. Si trasforma in una presenza surreale, sospesa a mezz’aria e sovrastata da cerchi di luce. Da lontano, complici il buio e le nebbie che salgono dal Po, le aureole luminose diventano Piccoli Spiriti Blu. Dalla fine degli anni Sessanta si è impegnata in una forma d’arte che travalica i limiti definiti dagli specifici linguaggi tradizionali e che tende ad un coinvolgimento diretto dell’artista e dello spettatore nell’atto creativo. Le sue performance, sculture, installazioni hanno come tema centrale la riflessione sul corpo in tutti i suoi aspetti. Dagli anni ’80 ricorre a macchine e congegni meccanici che, con il loro movimento, portano in vita oggetti inanimati. Talvolta sono costruite con protesi del corpo umano per esprimere il disagio e le inquietudini della nostra società.
The Church of Santa Maria al Monte dei Cappuccini, illuminated by sparking blue lights, becomes evanescent and loses the usual appearance of a place of worship. It turns into a surreal presence, suspended in mid-air with circles of light surrounding it. From a distance, darkness and mist, as mutual accomplices, rise from the Po, and the bright haloes become Little Blue Spirits. Since the late 60’s, Horn has been working on an art form that goes beyond the defined limits of the traditional languages and therefore tends to a direct engagement of both the artist and the spectator in the creative act. The central theme of her performances, sculptures, installations is a thought on the body in all its aspects. Since the 80’s, she has been using machines and mechanical devices that bring inanimate objects to life thanks to their movement. Sometimes, they are built with prostheses of the human body to express the unease and the fear of our society.
Depuis la fin des années 70, Horn s’est consacrée à un type d’art qui franchit les bornes définies par les langues traditionnelles et qui a tendance à intégrer directement l’artiste et le public dans l’acte créatif. Ses représentations, ses sculptures, et ses installations ont comme sujet central l’étude de tous les aspects du corps. Depuis les années 80, Horn se sert des machines et des appareils mécaniques qui, avec leur mouvement, donnent vie à des objets inanimés. Ses œuvres sont parfois construites avec des prothèses pour exprimer le malaise ou les inquiétudes de notre société. L’église de Santa Maria, illuminée par des phares incandescents bleus, semble s’évaporer, et son habituelle apparence d’édifice religieux en disparaît. Elle se transforme en une présence surréaliste, suspendue en l’air et entourée de cercles de lumière. De loin, l’obscurité et le brouillard qui monte du fleuve Pô, sont les complices des auréoles lumineuses qui tournent en Petits esprits bleus.
La Iglesia de Santa María, iluminada por unos flamantes faros azules, parece desvanecerse, disipándose su apariencia habitual de edificio religioso. Se transforma en una presencia surrealista, suspendida en medio de la nada, rodeada de radiantes círculos. A lo lejos, la oscuridad y la niebla —sus cómplices—, ascienden del río Po, y las aureolas luminosas se transforman en Pequeños espíritus azules. Desde finales de los años 60, Horn se ha consagrado a un tipo de arte que sobrepasa los límites definidos por las lenguas tradicionales y que tiende a una implicación directa del artista y del espectador en el acto creativo. Sus representaciones, esculturas, e instalaciones giran entorno al tema central el estudio del cuerpo en todos sus aspectos. Desde los años 80, recurre a máquinas y a aparatos mecánicos que, con su movimiento, dan vida a objetos inanimados. En algunas ocasiones, utiliza exoprótesis para expresar el desasosiego, o las inquietudes de nuestra sociedad.
13 Cultura=Capitale di ALFREDO JAAR (Santiago de Chile, Chile, 1956)
Alfredo Jaar – Cultura=Capitale
Trae ispirazione dall’opera Kunst = Kapital (Arte = Capitale) di Joseph Beuys che a sua volta rilegge la teoria di Marx. Beuys sostiene che la creatività di ciascun individuo è fonte di ricchezza per la collettività e Jaar riprende questo concetto ampliandolo ed estendendolo a tutti i settori della cultura. La collocazione non casuale sulla facciata della Biblioteca Nazionale, accresce la forza significante, il messaggio dell’opera. E’ un attento osservatore della realtà, capace di soffermare lo sguardo sulle situazioni economiche, politiche, sociali, e di approfondirle nel suo lavoro artistico in equilibrio tra ricerca etica ed estetica. Le opere pubbliche nascono dall’esigenza di supportare e segnalare momenti di alcune realtà territoriali di cui Jaar studia, vive, respira, percepisce caratteristiche e problematiche.
Culture = Capital is inspired by the work of Kunst = Kapital (Art = Capital) by Joseph Beuys, which reviews Marx’s theory. Beuys argues that the creativity of each individual is a source of wealth for the community, and Jaar takes back this concept by spreading it to all the cultural sectors. The intentional placement of the artwork on the façade of the National Library intensifies the signifying force, strengthening the message. Jaar is a keen observer of reality, able to focus on economic, political and social situations. He deepens these circumstances in his artistic work establishing a harmony between ethical and aesthetic research. His public works rise from his need to support and report situations of some territorial realities in which Jaar studies, lives, breathes, and of which he perceives singularities and problems.
Culture = Capitale est inspiré de l’œuvre Kunst = Kapital (Art=Capitale) de Joseph Beuys, qui interprète la théorie de Marx. Beuys affirme que la créativité de chaque individu est une source de richesse pour la communauté, et Jaar reprend ce concept en le propageant à tous les domaines de la culture. La localisation de l’œuvre sur la façade de la Bibliothèque Nationale n’a pas été arbitraire, de cette manière la force sémantique, à savoir le message de l’œuvre, s’avive. Jaar est un observateur attentif de la réalité qui est capable d’arrêter son regard sur situations économiques, politiques et sociales, et de les approfondir en équilibre entre recherche étique et esthétique, dans son œuvre artistique. Les œuvres publiques de Jaar naissent de l’exigence de supporter et de signaler les moments d’une réalité locale où il étudie, vit, respire, et perçoit des particularités et problèmes.
Cultura=Capital se inspira en la obra Kunst = Kapital (“Arte=Capital”) de Joseph Beuys, que interpreta la teoría de Marx. Beuys sostiene que la creatividad de cualquier individuo es una fuente de riqueza para la comunidad, y Jaar retoma este concepto ampliándolo y extendiéndolo a todos los sectores de la cultura. Cultura=Capital se ha colocado de manera no arbitraria en la fachada de la Biblioteca Nacional, lo que intensifica la fuerza del significado, el mensaje de la obra. Jaar es un atento observador de la realidad, capaz de concentrar su mirada en situaciones económicas, políticas, o sociales, incorporándolas en su trabajo artístico con un equilibrio entre la ética y la estética. Sus obras públicas nacen de la necesidad de apoyar y de señalar las situaciones de algunas realidades territoriales en las que Jaar estudia, vive, respira, y percibe singularidades y problemas.
14 Doppio Passaggio (Torino) di JOSEPH KOSUTH (Toledo, United States, 1945)
KOSUTH Josefph – Doppio Passaggio (Torino)
L’artista ha scelto per la sua installazione, lungo il ponte Vittorio Emanuele I ai Murazzi, due scritte al neon che riproducono frasi di Italo Calvino e di Friedrich Nietzsche, tratte rispettivamente da Le città invisibili e da Così parlò Zarathustra. Nelle frasi, i due scrittori,che amarono Torino e che s’identificarono con la città, fanno considerazioni filosofiche attraverso metafore sul ponte. Nietzsche: “La grandezza dell’uomo è di essere un ponte e non uno scopo: nell’uomo si può amare che egli sia una transizione e un tramonto. Io amo coloro che non sanno vivere se non tramontano, poiché essi sono una transizione. Io amo gli uomini del grande disprezzo, perché essi sono anche gli uomini della grande venerazione e frecce che anelano all’altra riva”. Calvino: “Marco Polo descrive un ponte, pietra per pietra. Ma qual è la pietra che sostiene il ponte? Chiede Kublai Kan. Il ponte non è sostenuto da questa o quella pietra, risponde Marco, ma dalla linea dell’arco che esse formano. Kublai Kan rimane silenzioso, riflettendo. Poi soggiunge: Perché mi parli delle pietre? È solo dell’arco che m’importa.
Kosuth has chosen for his installation Doble Passage, along the Vittorio Emanuele I Bridge, two neon writings reproducing quotes by Italo Calvino and Friedrich Nietzsche from Invisible Cities and Thus Spoke Zarathustra, respectively. Both philosophers, who loved Turin and identified themselves with the city, announce philosophical considerations through metaphors about the bridge. Nietzsche: “What is great in man is that he is a bridge and not a goal: what is lovable in man is that he is an OVER-GOING and a DOWN-GOING. I love those that know not how to live except as down-goers, for they are the over-goers. I love the great despisers, because they are the great adorers, and arrows of longing for the other shore.” Calvino: “Marco Polo describes a bridge, stone by stone. ‘But which is the stone that supports the bridge?’ Kublai Khan asks. ‘The bridge is not supported by one stone or another,’ Marco answers, ‘but by the line of the arch that they form.’
Kublai Khan remains silent, reflecting. Then he adds: ‘Why do you speak to me of the stones? It is only the arch that matters to me.’ Polo answers: ‘Without stones there is no arch”.
Kosuth a choisi pour son installation sur le Pont Vittorio Emanuele I deux textes écrits en tubes de néon qui reproduisent des citations d’Italo Calvino et Friedrich Nietzsche, tirés des ouvrages Les villes invisibles, et Ainsi parlait Zarathoustra, respectivement. Dans les citations, les deux écrivains, qui ont aimé Turin et se sont identifiés avec la ville, énoncent des pensées philosophiques à travers des métaphores sur le Pont. Nietzsche: Ce qu’il y a de grand dans l’homme, c’est qu’il est un pont et non un but : ce que l’on peut aimer en l’homme, c’est qu’il est un passage et un déclin. J’aime ceux qui ne savent vivre autrement que pour disparaître, car ils passent au-delà. J’aime les grands contempteurs, parce qu’ils sont les grands adorateurs, les flèches du désir vers l’autre rive. Calvino: Marco Polo décrit un pont, pierre par pierre. «Mais quelle est la pierre qui soutient le pont?» demande Kublai Khan. «Le pont n’est pas soutenu par telle ou telle pierre, » répond Marco, « mais par la ligne de l’arc qu’elles forment». Kublai Khan reste silencieux, il réfléchit. Puis il ajoute: «Pourquoi me parles-tu des pierres ? C’est l’arc seul qui m’importe». Polo répond: «Sans pierres, il n’y a pas d’arc».
El artista ha elegido para su instalación, a lo largo del Puente Vittorio Emanuele I, dos escrituras en luces de neón que reproducen citas de Italo Calvino y de Friedrich Nietzsche, extraídas de sus obras Las Ciudades Invisibles, y Así habló Zaratustra, respectivamente. En las citas, los dos escritores que amaron Turín y se identificaron con la ciudad, expresan reflexiones filosóficas a través de metáforas sobre el puente. Nietzsche: «La grandeza del hombre está en ser un puente y no una meta: lo que en el hombre se puede amar es que es un tránsito y un ocaso. Yo amo a quienes no saben vivir de otro modo que hundiéndose en su ocaso, pues ellos son los que pasan al otro lado. Yo amo a los grandes despreciadores, pues ellos son los grandes veneradores, y flechas del anhelo hacia la otra orilla». Calvino: «Marco Polo describe un puente, piedra por piedra. ¿Pero cuál es la piedra que sostiene el puente?, pregunta Kublai Kan. El puente no está sostenido por esta piedra o por aquélla —responde Marco—, sino por la línea del arco que ellas forman. Kublai permanece silencioso, reflexionando. Después añade: ¿Por qué me hablas de las piedras? Lo único que me importa es el arco. Polo responde: Sin piedras no hay arco».
15 Luì e l’arte di andare nel bosco di LUIGI MAINOLFI (Rotondi, Avellino, 1948)
MAINOLFI Luigi – Luì e l’arte di andare nel bosco
E’ la favola scritta dal novelliere Guido Quarzo e interpretata dall’artista come una sorta di “libro aperto” alla percezione di tutti, piccoli e grandi con parole scandite lettera per lettera in cui racconta come Luì il Matto riuscì a ritrovare i Bambini perduti nel Bosco Silenzioso. Impostosi nel panorama artistico torinese all’inizio degli anni ’70, è tra i più significativi rappresentanti della scultura contemporanea post-concettuale. Fin dagli esordi ha realizzato sculture in materiali naturali (terracotta, gesso, legno, pietra lavica) e fusioni di bronzo. Dice “ (…) è sempre il materiale che mi suggestiona, la vita dei materiali”.
Luì and the Art of Going Down to the Woods is the fable written by the novelist Guido Quarzo. The artist interprets the fable as a sort of “open book”, understandable by everyone, from young to old people. He tells word by word how Luì the Lunatic succeeded in finding the children lost in the Silent Woods. At the beginning of the 70’s, Mainolfi entered the artistic scene of Turin, and nowadays he is one of the most representative artists of Contemporary Sculpture within the Post-Conceptualism. Since his earliest stage, he has been sculpting using natural materials (earthenware, plaster, wood, and lava stone), as well as melted bronze. He says, “(…) it is always the material that inspires me, the life of the materials”.
Luì et l’art d’aller dans la forêt, est une fable écrite par le romancier Guido Quarzo. L’artiste a interprété cette fable comme une espèce de « livre ouvert » à la perception de tous, soit petits soit grands, avec des paroles qui épellent mot par mot comment Luì le Fou a réussi à trouver les enfants perdus dans la Forêt Muette. Au début des années 70, Mainolfi s’est instauré dans l’univers artistique turinois et il se trouve parmi les représentants plus remarquables de la sculpture contemporaine post-conceptuelle. Depuis ses origines, il a réalisé des sculptures en matériaux naturels (terre cuite, plâtre, bois ou pierre de lave) et en bronze. Comme Mainolfi a manifesté : « (…) ce sont les matériaux qui m’enthousiasment, la vie des matériaux».
Luì y el arte de adentrarse en el bosque es una fábula escrita por el novelista Guido Quarzo. Mainolfi la interpreta como si fuese una especie de «libro abierto» a la percepción de todos, ya sean pequeños o grandes. Con palabras pronunciadas letra por letra cuenta cómo Luì el Loco consiguió encontrar a los niños perdidos en el Bosque Silencioso. Mainofi se hizo un hueco en el paronama artístico turinés a principios de los años 70, y es uno de los mayores exponentes de la escultura contemporánea post-conceptual. Desde sus orígenes, Mainolfi ha realizado esculturas con materiales naturales (terracota, yeso, madera, piedras volcánicas, etc.) y con bronce fundido. «(…) [E]s siempre el material el que me sugestiona, la vida de los materiales», afirma.
16 Il volo dei numeri di MARIO MERZ (Milano, 1925 – Torino, 2003)
MERZ Mario – Il volo dei numeri
Una lunga sequenza di numeri – in cui ogni cifra è la somma delle due precedenti (1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21) – è posta in verticale sulla cupola della Mole. E’ la serie di Fibonacci (1170 – 1250), dal nome del suo ideatore. La progressione numerica viene utilizzata da Merz per costruire installazioni concettuali che alludono agli apparentemente caotici, processi organici di crescita esistenti in natura. Si dedica alla pittura da autodidatta dopo aver abbandonato gli studi. Si afferma come protagonista dell’Arte Povera italiana attorno al 1967. Creava le sue opere con materiali eterogenei e quotidiani: metallo, pietre, legno, pile di giornali, tubi al neon, sacchi di sabbia e altri materiali. Nel 1967 lavora al suo primo Igloo “…una struttura emisferica a cupola che rappresenta un’ideale architettura temporanea e nomadica, una casa antica e contemporanea al tempo stesso, un simbolo della volta celeste e della convivialità. (…) Intorno al 1970, inizia a sperimentare con la nozione di crescita esponenziale, e in particolare con la serie numerica di Fibonacci.” (https://www.castellodirivoli.org/artista/mario-merz/).
“Il volo dei numeri” is long sequence of figures, in which each number is the sum of the two previous ones (1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, and so forth), is placed vertically on the dome of the Mole. It is the Fibonacci series (1170 – 1250), named after its discoverer. The numerical progression is used by Merz to create conceptual installations that allude to the apparently chaotic, organic growth processes existing in nature. Merz dedicated himself to self-taught painting after leaving school. He became popular as the protagonist of the Italian Arte Povera movement around 1967. He created his works with heterogeneous and everyday materials: metal, stones, wood, piles of newspapers, neon tubes, sandbags and other materials. In 1967, he began working on his first Igloo, “(…) a hemispherical domed structure that represents a temporary and nomadic architectural ideal, at the same time an ancient and contemporary house, a symbol of the celestial vault and of conviviality. (…) Around 1970 Merz began experimenting with the notion of exponential growth, in particular the Fibonacci number series”.
Le vol des numéros est une longue suite numérique, dont chaque chiffre est le résultat de la somme des deux chiffres précédents (1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21), placée en verticale sur la coupole de la Mole Antonelliana. Merz a recours aux suites numériques pour construire des installations conceptuelles qui évoquent les processus organiques de croissance existant dans la nature. Merz s’est installé comme protagoniste du mouvement artistique italien Arte Povera autour de l’an 1967. Il créait ses œuvres avec des matériaux hétérogènes et du quotidien : du métal, des pierres, du bois, des piles de journaux, des tubes de néon, des sacs de sable, et d’autres matériaux. En 1967, il commence un projet intitulé Igloo « … une structure hémisphérique avec un dôme qui représente un idéal d’architecture temporaire et nomade, une maison antique et contemporaine en même temps, un symbole de coupole céleste et conviviale. » Depuis environ l’année 1970, Merz commence à expérimenter avec la notion de croissance exponentielle, et plus en particulier avec la suite homonyme à son créateur : Fibonacci (1170-1250).
Alrededor del 1970, Merz comienza a experimentar con la noción de crecimiento exponencial, sobre todo con la sucesión de Fibonacci (1170-1250), una larga secuencia numérica —cada nueva cifra es la suma de las dos anteriores (1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21) —, colocada verticalmente en la cúpula de la Mole Antonelliana. Merz utiliza la progresión numérica para construir instalaciones que aluden los procesos de crecimiento aparentemente caóticos y orgánicos que existen en la naturaleza. Merz se dedica a la pintura de forma autodidacta después de haber abandonado los estudios. Alrededor del 1967, se le empezó a considerar el protagonista del movimiento artístico italiano Arte Povera. Creaba sus obras con materiales heterogéneos y de uso cotidiano. En 1967 crea su primer Igloo: «una estructura hemisférica con cúpula que representa el ideal de la arquitectura temporánea y nómada, una casa antigua y contemporánea al mismo tiempo, un símbolo de bóveda celeste y de convivialidad».
17 Concerto di parole di MARIO MOLINARI (Coazze, Torino, 1930 – Torino, 2000)
Opera in via di allestimento
Art work under construction
MOLINARI Mario – Concerto di parole (rendering)
Il materiale inizialmente a lui più congeniale fu il rame, cui a partire dagli anni Settanta si aggiunsero l’alluminio, il legno e i materiali plastici. In seguito le superfici si fecero polite e vivacemente colorate. Dagli anni Ottanta si dedica soprattutto a far sì che l’arte sia fruibile da tutti, portando la scultura in spazi pubblici in mezzo alla gente.
Nel suo percorso sia artistico che privato il colore è stato l’elemento prioritario della sua filosofia di vita. Gigantesche sculture astratte, composte da cilindri, parallelepipedi e altre figure solide, verniciate a vivaci colori e illuminate da potenti fari, sembrano voler irrompere nel buio della notte. Le sculture, secondo l’intento dell’artista, si rapportano con tutte le persone indistintamente, condividendo con loro il suo pensiero a colori, l’elemento prioritario della sua filosofia di vita.
Copper was initially the most suitable material for him, to which aluminum, wood and plastic materials were added in the seventies. The surfaces later became smooth and brightly colored. Since the eighties, he dedicated himself above all to making art accessible to everyone, taking sculptures into public spaces and among people. Color was the most important element in his philosophy of life, both as an artist and as an individual. Gigantic abstract sculptures, composed of cylinders, parallelepipeds and other solid figures, painted in bright colors and illuminated by powerful lights, seem to want to break into the darkness of the night. The sculptures, according to the intent of the artist, relate to all people without distinction, sharing with them his colored way of thinking, the fundamental element of his life philosophy.
18 Vento solare di LUIGI NERVO (Torino, 1930-2006)
NERVO Luigi – Vento solare
“ ( …) sono particelle elementari emesse dal Sole che investono la terra, un concetto scientifico scaturito dalla mente di un astronomo e giunto a me ( …). Compongo ritagli di luce e di cielo che ho fra le mani. Luce che evoca icone altrimenti non percepibili, opposte al suono rauco di Tenebra ed Abisso.” Artista e didatta, non faceva solo arte, educava all’arte, coinvolgendo attivamente il territorio e la scuola, condividendo e insegnando quella manualità con la quale trasformare i materiali poveri – come il legno da lui prediletto – e poco costosi in oggetti artistici. Suoi sono i volumi: «Guida al gioco creativo con la carta, il legno, la creta» e «Proposta vegetale per la scuola d’obbligo» E’ autore inoltre di svariate macchine-gioco ispirate al mondo degli animali e allestite all’aperto (Parco Michelotti e a Superga).
“(…) they are elementary particles released from the Sun that strike the earth. It’s a scientific concept originated in the mind of an astronomer, and it came to me (…). I illustrate cuttings of light and sky that I hold in my hands. The light evokes icons not perceptible otherwise, which are opposed to the hoarse sound of Darkness and Abyss.” Nervo was not only an artist, he was also an art teacher. He was actively getting the territory and the schools to work together, while sharing and teaching the manual skills necessary to transform poor materials into artistic objects. He wrote the books: Guida al gioco creativo con la carta, il legno, la creta (Guide to creative games with paper, wood and clay) and Proposta vegetale per la scuola d’obbligo (Vegetal Proposal for Compulsory Education). Also, Nervo is the author of several outdoor playgrounds inspired by the animal world that can be found in Parco Michelotti and Piazzale Superga.
«(…) ce sont des particules élémentaires qui sont émises par le Soleil et qui frappent la terre, un concept scientifique surgi dans l’esprit d’un astronome qui est arrivé à moi (…). Je compose des morceaux de lumière et de ciel que j’ai entre les mains. Une lumière qui évoque des icônes non perceptibles autrement, opposés au son rauque des Ténèbres et de l’Abîme». Nervo n’était pas juste un artiste, mais aussi un professeur qui engageait activement le territoire et l’école, en enseignant et en transmettant ses connaissances pour transformer des matériaux pauvres en objets artistiques. Il est l’auteur de Guida al gioco creativo con la carta, il legno, la creta (Guide au jeu créatif avec le papier, le bois, et l’argile) et Proposta vegetale per la scuola d’obbligo (Proposition végétale pour l’instruction obligatoire). En outre, Nervo a créé diverses installations de terrains de jeu inspirées du monde animal qui peuvent se trouver dans les parcs Michelotti et Superga.
«(…) son partículas elementales emitidas por el Sol que embisten la tierra, un concepto científico originado en la mente de un astrónomo que llegó hasta mí (…). Compongo cortes de luz y de cielo que tengo entre las manos. Luz que de lo contrario evocaría iconos imperceptibles, opuestos al sonido ronco de las Tinieblas y del Abismo». Luigi Nervo ―artista y profesor― no realizaba solamente arte, sino que lo enseñaba, implicando de manera activa al territorio y a los colegios, compartiendo y enseñando los conocimientos para transformar materiales pobres y baratos ―como su madera predilecta― en objetos artísticos. Es el autor de: Guida al gioco creativo con la carta, il legno, la creta («Guía de juegos creativos con papel, madera y arcilla») y Proposta vegetale per la scuola d’obbligo («Propuesta vegetal para la escuela obligatoria»). Además, es el autor de varias estructuras de parques infantiles inspiradas en el mundo animal e instaladas al aire libre. Se pueden encontrar en el Parque Michelotti y en Superga.
19 L’amore non fa rumore di LUCA PANNOLI (Torino, 1967)
PANNOLI Luca – L’amore non fa rumore
Tutta l’abituale segnaletica urbana viene modificata e rivisitata dall’artista. Sospende nell’aria le sue insegne vivacemente neo-pop che inneggiano all’amore e alla solidarietà, invocano messaggi universali di pace e uguaglianza. Così, l’insegna di un “Tabacchi. Valori bollati.” diventa l’insegna della “Tolleranza. Valore universale.” Nel ’94 ha fondato lo studio di Ondesign occupandosi di progettazione e ricerca nel campo dell’architettura, del design e della comunicazione. Nella sua ricerca artistica è spesso presente il tema del segno come mezzo di comunicazione e il rapporto tra realtà e finzione.
All the usual urban signage is modified and revisited by the artist. He suspends his brightly neo-pop signs in the air that praise love and solidarity, while invoking universal messages of peace and equality. In this way, one of the signs that says: “Tabacchi. Valori bollati” (literally “Tobacco. Tax stamps”); becomes: “Tolleranza. Valore Universale” (“Tolerance, universal value”). In 1994, Pannoli founded the ONDESIGN studio where he has been working on planning and research in the fields of architecture, design and communication. In his artistic research the theme of sign is often present as a means of communication and relationship between reality and fiction.
Toute l’habituelle signalisation urbaine a été réexaminée et modifiée par l’artiste. Dans L’amour ne fait pas de bruit, Pannoli suspend en l’air ses panneaux vivement néo-pop qui célèbrent l’amour et la solidarité, en invoquant des messages de paix et d’égalité. Par exemple, le panneau de Tabacchi. Valori bollati (Tabac. Timbre fiscal) devient le panneau de Tolleranza. Valore universale (Tolérence. Valeur universelle). En 1994, Pannoli a fondé le studio de Ondesign où il s’occupait de la gestion et de la recherche dans le domaine de l’architecture, au-delà du design et de la communication. Dans sa recherche artistique, le sujet du signe est souvent présent comme moyen de communication, tout comme le rapport existant entre la réalité et la fiction.
Toda la señalización urbana ha sido reexaminada y modificada por el artista. Suspende en el aire sus festivas señales neo-pop que cantan un himno al amor y a la solidaridad, invocan mensajes universales de paz y de igualdad. De este modo, la señal de Tabacchi. Valori bollati. («Tabaco. Timbre fiscal») para a ser la señal de Tolleranza. Valore universale. («Tolerancia. Valor universal»). En 1994, Pannoli fundó el estudio de Ondesign, encargándose de la planificación y de la investigación en el ámbito arquitectónico, del diseño y de la comunicación. En su investigación artística se encuentra a menudo el tema del signo como un medio de comunicación, y la relación entre la realidad y la ficción.
20 Palomar di GIULIO PAOLINI (Genova, 1940)
Giulio Paolini – Palomar
I cerchi di luce che si accostano e s’intrecciano assumono l’aspetto di pianeti e satelliti. In questo firmamento si staglia un funambolo, all’incrocio con piazza Vittorio, in equilibrio su una ruota, “metafora” spiega l’artista, “dell’uomo attore sul palcoscenico tra la luce e il buio, tra l’invisibile e l’imperscrutabile.” Artista di fama internazionale, deve la sua iniziale celebrità all’aver fatto parte del nucleo costitutivo dell’Arte Povera. Da quest’ambito Paolini si è distinto ben presto per il carattere eminentemente concettuale dei suoi lavori. La sua produzione artistica è una colta analisi di processi, codici e convenzioni legati al rapporto tra arte, artista e spettatore.
In Palomar, the circles of light come together and intertwine. They take on the appearance of planets and satellites. In this firmament, a tightrope walker stands at the intersection of Piazza Vittorio and Po Street. Paolini explains that he is balancing on a wheel, which is the “metaphor of a man, an actor on stage between light and dark, between the invisible and the inscrutable.” Paolini is an international renowned artist who owes his initial fame to the fact of having been part of the nucleus of Arte Povera. At an early stage, he distinguished himself from this movement as a result of the eminently conceptual character of his artworks. His artistic production is a cultured analysis of processes, codes and conventions related to the relationship between art, artist and public.
Les cercles de lumière qui se rapprochent et s’entrelacent adoptent l’apparence de planètes et de satellites. Dans ce firmament se détache un funambule, au carrefour de piazza Vittorio Veneto, en équilibre sur une roue. Paolini explique: «c’est la métaphore de l’homme acteur qui se trouve sur scène, entre la lumière et l’obscurité, entre l’invisible et l’insondable». Paolini est un artiste de réputation internationale qui est devenu célèbre en faisant partie du noyau dur du mouvement italien Arte Povera. Paolini s’est rapidement démarqué de ce domaine à cause du style conceptuel de ses œuvres. Sa production artistique est une analyse cultivée de processus, de codes et de conventions reliées à la relation entre l’art, l’artiste et le public.
En Palomar los círculos de luz, arrimándose y entrelazándose, se disfrazan de planetas y satélites. En este firmamento destaca un funámbulo, en la intersección de piazza Vittorio, en equilibrio sobre una rueda que, como explica Paolini, es una «metáfora del hombre actor sobre un escenario entre la luz y la oscuridad, entre lo invisible y lo inescrutable». Paolini es un artista de fama internacional que obtuvo una gran reputación al formar parte del núcleo artístico italiano Arte Povera. Paolini se desmarcó rápidamente de este movimiento debido al fuerte carácter conceptual de sus obras. Su producción artística es un culto análisis de los procesos, de los códigos y de las convenciones ligadas a la relación entre el arte, el artista y el espectador.
21 Amare le differenze di MICHELANGELO PISTOLETTO (Biella, 1933)
PISTOLETTO Michelangelo – Amare le differenze
“Love Difference è un nome, uno slogan, un annuncio programmatico. Il movimento unisce l’universalità dell’arte all’idea di transnazionalità politica e focalizza la sua attività nell’area mediterranea in quanto in essa si rispecchiano i problemi della società globale.” (dal Manifesto Love Difference, 2002). La frase “amare le differenze” è scritta con luci al neon colorate in 39 lingue del mondo, come messaggio di pace. Tra i più significativi rappresentanti dell’Arte Povera. Dopo i primi dipinti su fondo neutro ha utilizzato superfici specchianti e plexiglass con l’effetto di coinvolgere lo spettatore in situazioni enigmatiche e stranianti. In seguito ha creato opere e installazioni con oggetti quotidiani e stracci. Nel 1994 ha creato il Progetto Arte, che viene attuato all’interno della Fondazione Pistoletto di Cittadellarte a Biella.
“Love Difference is a name, a slogan, a declaration of aims. The movement combines the universality of art with the idea of political transnationality, and focuses on the Mediterranean in that it reflects the problems of global society” (Love Difference Manifesto, 2002). The quote “love difference” is displayed in neon lights in 39 different languages of the world, as a message of peace. Pistoletto is one of the most significant representatives of Arte Povera. After his first paintings on a neutral coloured surface, he used mirrored surfaces and acrylic glass to involve the viewer in enigmatic and alienating situations. Later he created works and installations with everyday objects and rags. In 1994, he created the “Progetto Arte” manifesto, which is implemented within the Pistoletto Foundation of Cittadellarte in Biella.
«Aimer les différences est un nom, un slogan, une déclaration d’intention. Le mouvement unifie l’universalité de l’art à l’idée de transnationalité politique, et il se concentre sur son activité dans la Méditerranée comme miroir des problèmes de la société globale» (Love Difference Manifesto, 2002). La phrase «aimer les différences» est écrite en tubes de néon en 39 langues, comme un message de paix. Pistoletto est un des protagonistes du mouvement artistique italien Arte Povera. Après ses premiers tableaux sur fond neutre, Pistoletto a commencé à utiliser des miroirs et du plexiglas afin d’impliquer le public dans des situations énigmatiques et étranges. En outre, il a produit des œuvres et des installations avec des objets du quotidien et des chiffons. En 1994 Pistoletto a créé Progetto Arte, au sein de la Fondation Pistoletto di Cittadellarte à Biella.
«Amar las diferencias es un nombre, un eslogan, una declaración de intenciones. El movimiento une la universalidad del arte a la idea de transnacionalidad política, y focaliza su actividad en el Mediterráneo como espejo de los problemas de la sociedad global» (Love Difference Manifesto, 2002). Reproducida en luces de neón en 39 idiomas, la oración Amar las diferencias ofrece un mensaje de paz. Pistoletto es uno de los mayores exponentes de movimiento artístico italiano Arte Povera. Después de realizar sus primeras obras sobre fondo neutro, ha utilizado espejos y plexiglás para crear un efecto capaz de envolver al espectador en situaciones enigmáticas y extrañas. A continuación, ha creado obras e instalaciones con objetos cotidianos y trapos. En 1994 creó el Progetto Arte, dentro de la Fundación Pistoletto di Cittadellarte, en Biella.
22 My Noon di TOBIAS REHBERGER (Esslingen am Neckar, Deutschland, 1966)
REHBERGER Tobias – My noon
Il confronto con la memoria storica ha portato l’artista a riflettere sul concetto di tempo. Ha rielaborato una grande versione luminosa di un orologio il cui aspetto è quello di una scultura astratta, composta da cerchi (le ore) e elementi lineari: rossi (le decine di minuti) e verticali bianchi (le unità dei minuti). La ripetitività delle variazioni spinge chi guarda a indagare sui motivi dei cambiamenti. Usa molteplici forme di espressione artistica. Tema centrale della sua opera è il concetto di trasformazione. Sperimenta processi percettivi e cognitivi sulla temporalità. Afferma “I titoli hanno molto a che fare con la genesi delle mie opere”, infatti con l’opera Quello che ami ti fa anche piangere (premio Leone d’Oro 2009 alla Biennale di Venezia) ha allestito una caffetteria utilizzando un complesso schema di forme geometriche dazzle camouflage, che veniva utilizzato in ambito militare durante la Prima Guerra Mondiale per rendere navi e aerei obiettivi difficili da colpire. Da luogo confortante e di ristoro, complici gli specchi, diventa spazio pubblico spiazzante che può generare cambiamenti di visione.
The debate of the historical memory led the artist to mediate about the concept of time. He conceived a large luminous version of a clock that looks like an abstract sculpture, composed of circles (hours), linear elements in red (tens of minutes) and vertical elements in white (minutes). The repetitiveness of the variations pushes the viewer to wonder the reason of the changes. Rehberger uses multiple forms of artistic expression. The recurrent theme of his work is the concept of transformation. He experiences perceptual and cognitive processes about the passage of time. He says: “The titles explain very well the genesis of my works”. In fact, in the work What you love makes you cry (2009 Golden Lion Award at the Venice Biennale), he sets up a cafeteria using a complex pattern of geometrical shapes, known as ‘dazzling camouflage’, which was used during the Great War to make it difficult to strike ships and planes. Conceived as a comforting and relaxing place, it becomes an uneasy public space ―accentuated by the mirrors―that can trigger perceptual changes.
L’affrontement de Rehberger avec la mémoire historique l’a porté à réfléchir sur le concept du temps. Dans Midi, Rehberger a élaboré une grande version lumineuse d’une horloge dont l’aspect est comme une sculpture abstraite composée de cercles (les heures), d’éléments linéaires rouges (dizaines de minutes), et de lignes verticales blanches (minutes). La répétitivité des variations incite le spectateur à se questionner sur les raisons du changement. Rehberger utilise une myriade d’expressions artistiques. Le sujet central de son ouvrage est le concept de la transformation, et il expérimente avec des processus perceptifs et cognitifs sur la temporalité. Il affirme : « les titres sont étroitement liés à la genèse de mes œuvres. » D’ailleurs, avec l’œuvre Ce que tu aimes te fait aussi pleurer (prix Lion d’or à la Biennale de Venise de 2009) il a installé un café en utilisant un système de motifs géométriques appelé camouflage dazzle, qui était utilisé dans la Première Guerre mondiale pour rendre difficile l’attaque aux vaisseaux et avions. Conçu comme un endroit réconfortant pour se reposer, accentué par des miroirs il devient un espace publique dérangeant qui peut provoquer des changements de perception.
El enfrentamiento con la memoria histórica ha llevado al artista a reflexionar sobre el concepto de tiempo. Ha elaborado una gran versión lumínica de un reloj cuyo aspecto es una escultura abstracta, compuesta de círculos ―las horas― y elementos lineales ―las decenas de minuto en rojo, y las unidades de minuto en forma vertical―. La repetición de las variaciones invita al espectador a cuestionarse el motivo de los cambios. Rehberger utiliza múltiples formas de expresión artística. El tema central de su obra es el concepto de transformación, y experimenta procesos perceptuales y cognitivos sobre la temporalidad. Además, afirma: «los títulos tienen mucho que ver con la génesis de mis obras». De hecho, con la obra Lo que amas te hace llorar (premio León de Oro en la Bienal de Venecia del 2009), ha diseñado una cafetería utilizando un complejo esquema de formas geométricas llamado camuflaje disruptivo, el cual se usaba en la Primera Guerra Mundial para dificultar el ataque a navíos y a aviones. Pasa de ser un lugar cómodo y de descanso a un espacio público desorientador ―acentuado por los espejos― que puede generar cambios de percepción.
23 Ice Cream Light di VANESSA SAFAVI (Lausanne, Switzerland, 1980)
SAFAVI Vanessa – Ice Cream Light
Lavorando spesso sui cliché culturali, l’artista ha tratto ispirazione dal simbolo del turismo stereotipato, dall’alimento iconico per eccellenza dell’indulgenza, il “gelato”. La sua immagine evoca la vita e la cucina italiana, il piacere e le vacanze e la sua rappresentazione pubblicitaria è riconoscibile a tutti. Linee e colori di insegne esistenti, simbolo di puro godimento, sono qui replicati. Grande viaggiatrice, usa i viaggi per scoprire culture differenti e approfondire concetti quali l’etnografia, l’alienazione e l’identità. Indaga inoltre sulla vita quotidiana nelle città contemporanee, caotiche e complesse e come le persone affrontano la tecnologia e lo spazio urbano e la complessità della relazione mente-corpo.
Focusing on cultural clichés, the artist has drawn inspiration from the symbol of a stereotypical Italy, in other words, of the best iconic edible indulgence: the “gelato” or ice cream. Its image evokes the Italian lifestyle, its cuisine, pleasure and holidays. The “gelato” is great advertising bait since everyone knows this icon. Colourful silhouettes on neon lights, symbols of pure enjoyment, are replicated in Ice Cream Light. Safavi is the synonym of traveller. Through her journeys, she discovers different cultures and deepens concepts such as ethnography, alienation and identity. She explores everyday life in contemporary, chaotic, and complex cities, as well as how people deal with technology, urban space and the body-mind relationship.
Safavi s’est souvent consacrée aux clichés culturels. L’artiste s’est inspirée du symbole de tourisme stéréotypé, de la bouffe iconique par excellence : le gelato ou crème glacée. Tout le monde est attiré par cette image publicitaire, une image qui évoque l’Italie : son mode de vie, sa cuisine, le plaisir et les vacances. Des étincelantes lignes bariolées, symbole de pur plaisir, se dessinent sur Crème glacée de lumière. Grande voyageuse, Safavi découvre à travers ses voyages des cultures différentes en approfondissant les concepts d’ethnographie, d’aliénation et d’identité. En outre, elle analyse la vie quotidienne dans les chaotiques et complexes villes contemporaines, et se demande comment les personnes font face à la technologie et à l’espace urbain, ainsi qu’à la complexité de la relation entre le corps et l’esprit.
Trabajando a menudo con clichés culturales, Safavi se ha inspirado en el símbolo del turismo estereotipado, del alimento icónico de la indulgencia por excelencia: el gelato. Todo el mundo es capaz de reconocer su representación publicitaria, una imagen que evoca la vida y la cocina italiana, el placer y las vacaciones. Líneas y colores en luces de neón, símbolo de puro placer, se encuentran replicadas en Luz de helado. Safavi es una gran exploradora que utiliza los viajes para descubrir nuevas culturas y profundizar conceptos como la etnografía, la alienación y la identidad. Además, indaga sobre la vida cotidiana en las ciudades contemporáneas, caóticas y complejas, y sobre cómo las personas lidian con la tecnología, el espacio urbano y la complejidad de la relación entre el cuerpo y la mente.
24 Noi di LUIGI STOISA (Giaveno, Torino, 1958)
STOISA Luigi – Noi
E’ un’opera antropomorfa realizzata con coppie di giganteschi esseri umani. Un uomo e una donna, con i piedi puntati verso i margini della strada e le teste una contro l’altra, a suggerire una simbolica unione affettiva e mentale. Creano una fuga di archi, una lunga galleria sospesa – quasi a “proteggere”i passanti, e tutti “Noi”. Pittore e scultore ha esordito confrontandosi con la rappresentazione del mito di Narciso, il cui volto, riflesso e appoggiato sulla tela coperta di catrame, o installato nello spazio espositivo, costituisce l’unico elemento figurativo di un lavoro che rovescia il tradizionale rapporto “supporto-pittura” per seguire l’estensione della materia e la sua forma.
Us is an anthropomorphic work displaying two gigantic human beings. They are a man and a woman, with their feet pointed towards the edges of the road and their heads leaning against each other, suggesting a symbolic emotional and mental union. They create a flight of arches towards the sky, a long suspended gallery, which seems to be protecting the passers-by, and all of Us. Stoisa is both a painter and a sculptor. He made his debut contrasting the representation of the Myth of Narcissus, whose visage, reflected and resting on a tar-covered canvas, or set up in the exhibition space, is the only figurative element of a work that turns upside down the traditional “support-paint” relationship, in order to go beyond the matter and its form.
Nous est une œuvre anthropomorphique qui reproduit un couple d’être humains géants. Un homme et une femme dont les pieds pointent les bords du trottoir et les têtes reposent l’une contre l’autre, suggérant une symbolique connexion affective et mentale. Ils créent une fuite d’arcs, une longue galerie sur nos têtes, qui pourrait vouloir protéger les passants, et Nous tous. Peintre et sculpteur, Stoisa a débuté avec sa représentation du mythe de Narcisse. Peu importe si son visage se reflète en reposant sur une toile recouverte de goudron, ou s’il se trouve installé par terre dans la salle d’exposition, celui-ci constitue l’unique élément figuratif d’une œuvre qui modifie la traditionnelle relation entre le support et la peinture pour aller au-delà de la matière et la forme.
Nosotros es una obra antropomorfa realizada con parejas gigantescas de seres humanos. Un hombre y una mujer, con los pies apuntando hacia los márgenes de la carretera y las cabezas enfrentadas, sugiriendo una simbólica unión afectiva y mental. Crean una fuga de arcos, una larga galería en suspensión, casi queriendo «proteger» los transeúntes, y a todos «Nosotros». El pintor y escultor Loisa comenzó examinando la representación del mito de Narciso, cuyo rostro se refleja y descansa sobre una tela cubierta de alquitrán, o se encuentra instalado en el espacio expositivo, constituyendo el único elemento figurativo de un trabajo que revoluciona la relación tradicional entre el soporte y la pintura, para ir más allá de la materia y de su forma.
25 Luce Fontana Ruota di GILBERTO ZORIO (Andorno Micca, Biella, 1944)
ZORIO Gilberto – Luce Fontana Ruota
Stelle, canoe, lance, giavellotti, trasformazioni alchemiche fanno parte dell’universo poetico dell’artista. Questa opera, è una grande stella rotante che, per effetto degli specchi sulle punte, gioca con i riflessi di luce e d’acqua. La forma della stella nelle intenzioni dell’artista è proiezione del cosmo – fonte di energia in divenire – è il segno che guida nell’esplorazione e nel sogno. Tra i protagonisti del gruppo torinese dell’Arte Povera, le sue opere sono campi inesauribili di energia fisica e mentale, di ricerca in direzione di una processualità che rende continuamente mutevole ciascuna opera, predisponendo reazioni chimiche o fisiche. Fanno parte del suo universo poetico le installazioni con stelle, canoe, giavellotti e le trasformazioni alchemiche con acidi, solfato di rame, cloruro di sodio, metafore concettuali dei processi chimico-alchemici insiti nella realtà.
Stars, canoes, spears, javelins, and alchemical transformations are part of the Zorio’s poetic universe. Light. Fountain. Wheel. is a large rotating star that plays, using the effect created by the mirrors placed on the points of the star, with light and water. As intended by the artist, the shape of the star is a symbol of the cosmos, a source of energy in constant flux, as well as the sign that guides exploration and dreams. Zorio is an exponent of the Arte Povera movement. His works are an inexhaustible supply of physical and mental energy, as well as research in the direction of a process that makes each work mutable by means of chemical and physical reactions. His poetic universe is composed by installations with stars, canoes, javelins, and alchemical transformations with acids, copper sulfate, and sodium chloride. These are conceptual metaphors of chemical and alchemical processes that are inherent to the existence.
Lumière Fontaine Roue est une grande étoile tournante qui joue, moyennant l’effet de miroirs placés dans les branches de l’étoile, avec les reflets de lumière et d’eau. Selon les intentions de l’auteur, la forme de l’étoile est une projection du cosmos, source d’énergie en flux continu, et le signe qui guide l’exploration et les rêves. Zorio se retrouve parmi les protagonistes du groupe turinois Arte Povera. Ses travaux sont champs inépuisables d’énergie physique et mentale, de recherche vers une procédure qui rend inconstante chaque œuvre à travers des réactions chimiques et physiques. Des étoiles, des canoës et des javelots font partie de son univers poétique, tout comme des transformations alchimiques d’acides, de sulfate de cuivre et de chlorure de sodium. Ce sont des métaphores conceptuelles des processus chimiques et alchimiques inhérents à la réalité.
Estrellas, canoas, lanzas, jabalinas, y transformaciones alquímicas forman parte del universo poético de Zorio. Esta obra, es una gran estrella giratoria que, gracias al efecto de los espejos en las puntas, juega con el reflejo de la luz y del agua. Según la intención del artista, la forma de la estrella es la proyección del cosmos como fuente de energía en flujo constante y la señal que guía en la exploración y en los sueños. Zorio es uno de los protagonistas del grupo turinés Arte Povera, sus obras son fuentes inagotables de energía física y mental, de investigación hacia un proceso que haga que sus obras muten constantemente por medio de reacciones químicas o físicas. Las instalaciones con estrellas, canoas, jabalinas, y transformaciones alquímicas ―con ácidos, sulfato de cobre y cloruro de sodio― forman parte de su universo poético. Son metáforas conceptuales de procesos químicos y alquímicos que son inherentes a la realidad.
ALTRE LUCI
26 L’Albero del PAV di PIERO GILARDI (Torino, 1942)
GILARDI Piero – L’Albero del PAV, via Giordano Bruno 31
In tutte le culture umane, nello spazio e nel tempo, la figura dell’albero è molto significativa come tramite simbolico, tra la terra e il cielo. Quest’albero, arabescato di luce colorata, intende divenire un augurale preludio simbolico per i cittadini che si avventureranno nel Parco d’Arte Vivente, tra le macchie di verde profumato alla ricerca dei segni di un’arte ecologica che celebra il nostro reincanto per la natura. Passa dall’Arte Povera alla Land Art (interventi artistici diretti sul territorio naturale) sino al PAV, Parco Arte Vivente di via Giordano Bruno 31. Il Parco, da lui concepito e diretto, è un Centro sperimentale d’arte contemporanea, che “comprende un sito espositivo all’aria aperta e un museo interattivo inteso quale luogo d’incontro e di esperienze di laboratorio rivolte al dialogo tra arte e natura, biotecnologie ed ecologia, tra pubblico e artisti.” (http://parcoartevivente.it/pav/)
In all human cultures, independently of space and time, the shape of a tree has always been very significant as a symbolic means between the earth and the sky. This tree, adorned with colorful arabesque lights, intends to become an auspicious symbolic prelude for the citizens who will adventure to enter the PAV (Living Art Park), amidst fragrant green bushes, in search of the signs of an ecological art that celebrates our fascination for nature. Gilardi passes from Arte Povera to Land Art (artistic interventions on a natural environment), which lead him to the birth of the PAV (Living Art Park, 31 Giordano Bruno St.). The Park, conceived and directed by him, is an experimental Center of Contemporary Art, which “includes an open-air exhibition site and an interactive museum intended as a meeting space and an experimental workshop in which art and nature, biotechnology and ecology, public and audience, talk to each other”.
Dans toutes les cultures humaines, dans l’espace et le temps, la figure de l’arbre est très significative comme lien symbolique entre la terre et le ciel. L’arbre du PAV, orné d’étincelantes arabesques multicolores, vise à souhaiter la bienvenue aux citoyens qui s’aventurent dans le Parc Art Vivant, une forêt d’aromatiques buissons verts, à la recherche des signes d’un art écologique qui célèbre notre fascination pour la nature. Gilardi fait une transition de Arte Povera à Land Art, jusqu’à la création du PAV (Parc Art Vivant de Turin, rue Giordano Bruno 31). Le Parc, conçu et administré par Gilardi, est un centre expérimental d’art contemporain qui « comporte un espace d’exposition en plein air et un musée interactif conçu comme un lieu de rencontre, outre un atelier expérimental où l’art et la nature, la biotechnologie et l’écologie, et le public et les artistes discutent entre eux».
En todas las culturas humanas, en el espacio y en el tiempo, la figura del árbol es muy significativa como puente simbólico entre la tierra y el cielo. Este árbol, decorado con arabescos de luces de color, tiene la función de convertirse en un simbólico preludio de bienvenida para los ciudadanos que se aventurarán ―entre arbustos de un verde perfumado― en el Parque Arte Viviente, en busca de los signos de un arte ecológico que celebra nuestra fascinación por la naturaleza.Gilardi pasa del Arte Povera al Land Art (obras artísticas producidas directamente en un entorno natural), lo que le llevó a la creación del PAV (Parque Arte Viviente, calle Giordano Bruno nº 31). El Parque, ideado y dirigido por Gilardi, es un centro experimental de arte contemporáneo que «comprende una sala de exposiciones al aire libre, y un museo interactivo que sirve como un lugar de encuentro, además de un taller experimental dedicado al diálogo entre el arte y la naturaleza, entre la biotecnología y la ecología, y entre el público y los artistas».
27 α-cromactive di Migliore+Servetto Architects per GRATTACIELO INTESA SANPAOLO
Migliore+Servetto Architects – α-cromactive (foto di Michele D’Ottavio), Corso Inghilterra 3
L’installazione luminosa site specific, realizzata da Migliore+Servetto Architects per il grattacielo Intesa Sanpaolo, è un’opera dinamica, un’onda di colore sensibile ai mutamenti della luce. Come frame in stop motion, una sequenza di scaglie luminose genera un organismo pulsante, perfettamente inserito nella natura della serra bioclimatica, un vortice iridescente che respira e vibra in sintonia col vento e con l’ambiente che la accoglie, plasmandosi alla luce naturale e trasformandosi nel buio.
The site-specific light installation designed by Migliore+Servetto Architects for the Intesa Sanpaolo Skyscraper: a dynamic work, bursting with a wave of colours constantly changing with the light. Like stop motion frames, light flakes line up to generate a pulsating organism perfectly integrated into the nature of the bioclimatic greenhouse: a breathing, iridescent vortex that vibrates in harmony with the wind and the surrounding environment, adapting to natural light and transforming in the darkness.
28 Sintesi ’59 di ARMANDO TESTA
TESTA Armando – Sintesi ’59, Piazza XVIII Dicembre (davanti alla storica Stazione di Porta Susa)
Sintesi ’59, una sfera e una mezza sfera di acciaio nero, di circa 5 metri di altezza, ricorda a Torino Armando Testa che è stato uno dei più grandi creativi italiani, protagonista della cultura visiva contemporanea e creatore di simboli entrati a far parte del nostro immaginario collettivo. L’artista ha esplorato molteplici linguaggi riuscendo a creare capolavori senza tempo, la cui modernità è oggi fonte di ispirazione per gli artisti contemporanei. Con le sue opere ha dimostrato una profonda conoscenza dei processi semiotici e visivi che stanno alla base del nostro sistema comunicativo, generando attraverso le sue immagini doppi sensi e nuovi significati. SINTESI ’59 è il raggiungimento perfetto della scultura presente nella centrale piazza XVIII Dicembre, scultura minimalista nata alla fine degli anni Cinquanta. Progetto di illuminazione a cura di IREN S.p.A.
Sintesi ’59, a sphere and a half of black steel about 5 metres high, is Turin’s way of remembering Armando Testa, one of the greatest of all Italian creatives, a leading light in contemporary visual culture and creator of symbols that have become part of our collective imagination. The artist explored multiple languages and succeeded in creating timeless masterpieces whose modernity is now a source of inspiration for contemporary artists.
His works demonstrate a deep knowledge of the semiotic and visual processes that underlie our communication system, generating double entendres and new meanings through his images. SINTESI ’59 is the perfect attainment of the sculpture present in the central piazza XVIII Dicembre, a minimalist sculpture born in the late fifties. Lighting project by IREN S.p.A.
Sintesi ’59, sphère et demi-sphère en acier noir, d’environ 5 mètres de haut, commémore à Turin Armando Testa qui a été un des plus grands créateurs italiens, ainsi que le protagoniste absolu de la culture visuelle contemporaine et le concepteur de symboles devenus partie intégrante de notre imaginaire collectif. L’artiste a exploré d’innombrables langages en réussissant à créer des chefs-d’œuvre atemporels, dont la modernité est aujourd’hui une source d’inspiration pour les artistes contemporains. Par ailleurs, il a démontré, à travers ses œuvres, une profonde connaissance des processus visuels qui sont à la base de notre système de communication en engendrant, grâce à ses images, des doubles sens et de nouvelles significations. SINTESI ’59 est le parfait aboutissement de la sculpture minimaliste créée à la fin des années cinquante présente sur la place centrale du XVIII Décembre. Projet d’éclairage géré par IREN S.p.A.
Sintesi ’59, una esfera y una media esfera de acero negro de aproximadamente 5 metros de altura, rinde homenaje a Torino Armando Testa, uno de los mayores creadores italianos, protagonista de la cultura visual contemporánea y creador de símbolos que han entrado a formar parte de nuestro imaginario colectivo. El artista exploró múltiples lenguajes que le llevaron a crear obras maestras atemporales cuya modernidad es hoy fuente de inspiración para los artistas contemporáneos. Con sus trabajos, demostró un profundo conocimiento de los procesos semióticos y visuales que constituyen la base de nuestro sistema comunicativo, generando dobles sentidos y nuevos significados a través de sus imágenes. SINTESI ’59 es la culminación perfecta de la escultura presente en la central piazza XVIII Dicembre, una escultura minimalista nacida a finales de los años cincuenta. Proyecto de iluminación a cargo de IREN S.p.A.
29 Luce in cattedra di POLITO IN LIGHT (team studentesco)
PoliTo in Light – Luce in cattedra, Castello del Valentino, Corte d’Onore, Viale Mattioli 39
Installazione luminosa temporanea progettata per la corte d’onore del Castello del Valentino, quale sede universitaria del Politecnico di Torino. L’idea di rappresentare la vocazione didattica del luogo si concretizza in una soluzione che prevede un albero luminoso, simbolo di conoscenza, e dodici cubi disposti a raggiera. La luce diventa strumento in grado di creare un’esperienza percettiva: la smaterializzazione della figura dell’albero si contrappone all’effimera solidità dei cubi; la staticità dell’albero si contrappone al dinamismo dato dalla continua variazione cromatica dei cubi. PoliTo in Light, team studentesco del Politecnico di Torino, ha ricevuto nel 2015 il sostegno dalla Commissione Contributi e Progettualità Studentesca e ha sviluppato il progetto dell’opera dall’ideazione, all’approfondimento tecnico, alla realizzazione in autocostruzione, coinvolgendo gli studenti in una esperienza formativa multidisciplinaree sperimentando l’uso della luce come espressione artistica e riferimento urbano (pagina Fb: politoinlight; www.lamsa.polito.it).
A cura di IREN S.p.A.
Professor Light is a temporary light art installation designed for the main courtyard of the Valentino Castle. The idea of the academic vocation of the courtyard takes form here, represented by a luminous tree, a symbol of knowledge, and twelve cubes arranged in a radial pattern. Light becomes a tool able to create a perceptive experience: the dematerialization of the tree is opposed to the ephemeral solidity of the cubes, and the static nature of the tree contrasts with the dynamism given by the continuous chromatic change of the cubes. PoliTo in Light is a student team of the Polytechnic University of Turin. The team developed the project from the conceptual phase, to the technical study and final construction. The project involved students in a multidisciplinary training experience, while approaching the use of light as an artistic expression and an urban landmark.
Edited by IREN S.p.A.
La lumière institutrice est une installation lumineuse temporelle conçue pour la cour d’honneur du Château du Valentino, le siège de l’École Polytechnique de Turin. La vocation didactique de l’endroit s’est matérialisée dans : un arbre lumineux, symbole de sagesse, et douze cubes disposés dans le sens radial. La dématérialisation de la figure de l’arbre s’oppose à la solidité des cubes, et la nature statique de l’arbre contredit le dynamisme perçu par le changement chromatique des cubes. PoliTo in Light est une équipe d’étudiants de l’École Polytechnique de Turin qui a développé le projet depuis la phase de conceptualisation, en passant par l’étude technique, à l’éventuelle construction de l’installation, en s’engageant dans une expérience formative multidisciplinaire pour expérimenter l’utilisation de la lumière comme expression artistique et référence urbaine.
Sous la direction de IREN S.p.A.
La luz didáctica es una instalación lumínica temporánea diseñada para el patio principal del Castello del Valentino. La idea de representar la vocación didáctica del lugar se materializa en un resultado que dispone un árbol luminoso ―símbolo de sabiduría― y doce cubos colocados a su alrededor en forma radial. La luz se transforma en el instrumento que es capaz de crear una experiencia perceptual: el desvanecimiento de la figura del árbol contrasta con la efímera solidez de los cubos, mientas que el estático árbol contrasta con el dinamismo que ofrece la continua variación cromática de los cubos. PoliTo in Light ―equipo estudiantil de la Universidad Politécnica de Turín―ha desarrollado el proyecto de la obra desde la fase de concepción, hasta el estudio técnico y la eventual producción, implicando a los estudiantes en una experiencia formativa y multidisciplinaria, a la vez que experimentan con el uso de la luz como expresión artística y referencia urbana.
Editado por IREN S.p.A.
30 1706 di LUIGI NERVO (Torino, 1930-2006)
NERVO Luigi – 1706, incrocio tra via Pianezza e via Foglizzo
Scultura-monumento in acciaio inox realizzata nel 2006 dall’artista per celebrare i trecento anni dall’assedio di Torino e che riporta la data di questo evento storico (1706). Nervo definì il progetto “Un vibrare di forme che si manifesta come materia in formazione. Materia che scaturisce e germoglia dalle crepe della terra, diventa prima numero e poi cifra-simbolo capace di evocare e raccontare nella sequenza: materia-cifra- storia”. Scultore, scenografo e docente all’Accademia Albertina, Nervo (Torino, 2 dicembre 1930 – 1 giugno 2006) rivela fin da subito la sua predilezione per il legno come materia prima per le sue opere “materia viva, che sente e respira”. Negli anni Settanta inizia a creare grandi sculture di legno di olmo e robinia destinate allo spazio pubblico, le “macchine-gioco”, che uniscono insieme arte, funzione sociale e impegno politico: Dinosauro (1975) del Parco Michelotti, Grande balena al parco della Mandria (poi rimossa), Iguana (1982) in via Artom, Mucca (1994) nel piazzale davanti alla Basilica di Superga. Fra i suoi tanti impegni si ricorda: la Guida al gioco creativo (pubblicazione del 1982), ilTeatro d’Automi, spettacoli in collaborazione con i Teatri Stabile di Torino e Trieste e con l’Opera di Roma e le Macchine-fiaba, piccoli teatri da camera con sculture. E’ autore di Vento solare, una delle opere che arricchiscono la raccolta di Luci d’artista (vedi opera 18), ma ha collaborato già a partire dalla prima edizione (1998) di Luci d’artista, con l’opera Il bosco dei maghi.
31 Anatomia Umana di SALVATORE ASTORE
ASTORE Salvatore – Anatomia Umana, Corso Gallileo Ferrarsi (Mastio della Cittadella)
Installazione artistica site specific a carattere permanente, in occasione del quinto centenario della morte di Leonardo da Vinci.
Permanent site specific art installation for the fifth centenary of the death of Leonardo da Vinci.
32 L’albero orizzontale di Piazza Montale di TAVOLO VALLETTE
L’Albero orizzontale, piazza Eugenio Montale
Un progetto partecipato realizzato dal Tavolo Vallette in collaborazione con la Casa di Quartiere e le Officine Caos della Circoscrizione 5 e IREN S.p.A.
A participatory project carried out by Tavolo Vallette in collaboration with Casa di Quartiere and
Officine Caos of the District 5 and IREN S.p.A.
33 Il Presepio di EMANUELE LUZZATI (Genova 1921 – 2007)
LUZZATI Emanuele – Presepe, Parco del Valentino, Borgo Medievale
Nasce a Genova in una casa del quartiere di Castelletto, che sarà la sua abitazione e studio per tutta la vita. Studia e si diploma all’Ecole des Beaux Arts di Losanna in Svizzera, rientrato in Italia nel 1945, inizia la sua prestigiosa e prolifica carriera teatrale come scenografo e costumista, realizzando più di quattrocento scenografie per prosa, lirica e danza nei principali teatri italiani e stranieri. Luzzati è interprete di una cultura figurativa abile e colta, capace di usare con maestria ogni sorta di materiale: dalla terracotta allo smalto, dall’intreccio di lane per arazzi all’incisione su supporti diversi, ai collage di carte e tessuti composti per costruire bozzetti di scene, di costumi, di allestimenti navali. Il simbolo della tradizione natalizia cristiana, rappresentato dai personaggi creati dal celebre illustratore e scenografo Emanuele Luzzati, ritorna nella piazza del Melograno del Borgo Medioevale.
Luzzati was born in Genoa in a house in the district of Castelletto, which will be his home and studio for life. He studied and graduated at the Ecole des Beaux Arts in Lausanne, Switzerland, and returned to Italy in 1945 where he began his prestigious and prolific career as a set designer and costume designer, creating more than four hundred sets for prose, opera and dance in the main Italian and foreign theaters. Luzzati is a subtle and intelligent interpreter of a ‘figurative’ culture – an expert in the use of any form of material; from clay to enamel, from weaving wool for tapestries to engravings on a variety of materials to paper and cloth collages to create sketches for scenery, costumes or naval set designs. The symbol of the Christian Christmas tradition, represented by the characters created by the famous illustrator and set designer Emanuele Luzzati, returns to the Melograno Square of the Medieval Village.